El director neoyorkino Spike Lee será el responsable de llevar a la pantalla grande la adaptación de “Time Traveller”, las memorias de Ronald Mallet, un profesor de Física de la Universidad de Columbia que dedicó buena parte de su vida a estudiar la posibilidad de viajar en el tiempo.

Lee compro los derechos del libro, escrito entre Mallet y Bruce Henderson, y se encargará de guionar la realización. “Time Traveller”, cuenta como el profesor afro americano logró crear una serie de especificaciones técnicas gracias a las cuales se podría construir una máquina del tiempo.

La película de Jenkins cuenta la historia de dos hermanos a partir de un llamado que los alertará acerca de la salud mental de su padre, Lenny, de quien nada saben desde hace tiempo. “The Savages” posee una atmósfera tan real que por momentos el espectador siente que podrían ser momentos de su vida los que se proyectan. Dos personas que poco tiene que ver una con la otra, deben de repente hacerse cargo de su progenitor, quien ya ni siquiera tiene mucho en común consigo mismo.

Leonard Savage, en uno de sus ataques, escribe en la pared del baño, con su propio excremento, `fuck you`, ofrenda al enfermero de su esposa. Es entonces cuando surgen los problemas con el viejo Lenny para los personajes interpretados por Phillip Seymur Hoffman y Laura Linney. Poco después Leonard quedará sólo al morir su esposa, por lo que Jon y Wendy deberán asumir la responsabilidad de cuidar a un hombre que sufre una demencia progresiva y está llegando a los últimos peldaños de la escalera de su vida.

Wendy Savage se acerca, con mayor rapidez de la que le gustaría, a los 40 años. Al igual que su hermano, es escritora y vive buscando financiación para llevar sobre tablas esa obra que la sacará del anonimato. Mantiene a su vez un romance con un hombre casado y mayor que no está dispuesto a dejar a su mujer por ella. Wendy, quien en ningún momento parece ser feliz junto a él, explica que permanece a su lado para poder llevar `una vida sexual normal`. El rasgo más importante en la personalidad del personaje interpretado por Linney es la culpa, sentimiento que se agiganta luego de internar a su padre en un geriátrico.

El trabajo de Philip Bosco es también destacable. Los primeros planos de Leonard Savage mientras sus hijos discuten y se insultan muestran los ojos de un hombre que siente arrepentimiento por no haber sido el padre que debió ser, pero que a su vez parece preguntarse `que carajo hago acá?`

Decir que Seymur Hoffman es un gran actor es, a esta altura del partido, un lugar común. Es un dato que conocíamos todos mucho antes de aquel `Oscar` por “Capote”. Aunque ese premio ayudó mucho a sacarlo del rol de eterno actor secundario al que parecía destinado. Basta sólo ver la mirada de Jon Savage para conocer su interior, para saber que detrás de esa personalidad que exuda seguridad, algo no anda bien. Jon está a punto de dejar ir a quien puede ser el amor de su vida por miedo al compromiso.

La cinta, escrita y dirigida por Tamara Jenkins, gira entorno a un tema como el de las relaciones familiares, o mejor aún, las relaciones con los familiares, tópico tratado en innumerables oportunidades, pero pocas veces como lo hace la directora. La historia se desarrolla con una sorprendente normalidad, llena de planos que para cualquier realizador hubiesen sido elipsis, como si fuese la propia vida de Hoffman y Linney la filmada, al ritmo de agradables sintonías minimalistas.

En 2000 la revista Esquire publica una nota titulada `Lo que hice en mis vacaciones de verano` y firmada por Scott K. Anderson. En el artículo se detalla la aventura de cinco periodistas secuestrados en los Balcanes por un grupo comando de la CIA mientras estaban tras las huellas de un criminal de guerra. “The hunting party” parte de esa publicación, y, modificaciones por medio, se inicia con el ascenso y caída de la carrera periodística de Simon Hunt, personaje de ficción que supo ser la estrella de los corresponsales de guerra hasta tener un imperdonable ataque de moralismo frente a cámara.

Con una de las guerras más sangrientas de la historia contemporánea como marco, Shepard entrega esta comedia negra desde el principio hasta el fin, que comienza con la leyenda: `sólo lo más ridículo de lo que se ve aquí es real`. Luego de esta declaración de principios el espectador sabe que esperar. Y lo que viene no desentona con ese precepto. Nos encontramos con un relato en clave de sátira que tiene como protagonistas a un grupo de periodistas que transitan por Bosnia, apenas cinco años después de finalizada la guerra de los Balcanes, con el irracional propósito de encontrar, entrevistar y capturar (?) al `Zorro` Boghdanovic, uno de los criminales de guerra más buscados.

Boghdanovic no es otro que Radovan Karadžić, el verdadero criminal en la verdadera guerra, escondido en una zona montañosa, ya sin poder real, pero con unos celosos guardaespaldas y miles de seguidores que lo protegen. Los personajes interpretados por Richard Gere, Terrence Howard y Jesse Eisenberg lo buscarán soportando situaciones absurdas, personajes inverosímiles -algunos de ellos reales- y la imputación de ser agentes de la CIA.

La historia sólo se inicia en el artículo de Anderson. Shepard escribe y filma una película con diferencias varias. Empezando por los protagonistas, por su intento de capturar a Boghdanovic, y también por una historia de amor mezclada en el relato que lo tiene como protagonista -cuando no- a Gere. Esa es la contraparte dramática del humor negro que atraviesa la cinta constantemente.

“The hunting party” no es excelente, pero logra su cometido. Tienen buenas actuaciones -incluso de Gere-, entretiene y se da el lujo de criticar -superficialmente, pero criticar al fin- acuerdos y políticas internacionales posteriores al enfrentamiento bélico en la ex Yugoslavia, y sobre todo el papel de la ONU y sus cascos azules.

La polémica película de José Padilha nos muestra la violencia en la favelas de Río de Janeiro desde el punto de vista del capitán Nascimento, miembro del Batallón de Operaciones Policiales Especiales (BOPE), y con un posicionamiento bastante claro con respecto al narcotráfico. Recibió críticas lapidarias pero se hizo con el Oso de Oro en la Berlinale y se convirtió en la película más vista -y la más pirateada- de la historia cinematográfica brasileña.

No debe ser fácil realizar una película cuya historia se desarrolla en las favelas brasileñas después de “Cidade de Deus”. La obra de Meirelles es insuperable, no puede compararse con “Tropa de Elite” por varias razones; la más importante: Meirelles no tiene un posicionamiento -al menos no tan explícito- acerca del narcotráfico, la violencia y la tortura. Padilha intenta vendernos una policía sumida en la más censurable corrupción, pero un cuerpo de elite incorruptible. Se trata del BOPE, un cuerpo denunciado infinidad de veces por Amnistía Internacional por sus crímenes, pero cuyo proceder es mostrado en la cinta como el único posible para enfrentarse a los delincuentes de Río de Janeiro.

El director prefiere, en cambio, embestir contra jóvenes progresistas de clase media alta atribuyéndoles absoluta responsabilidad sobre el tráfico de drogas. Del papel del Estado poco y nada. Se puede inferir que los agentes policiales corruptos están en un estado de total abandono por políticas gubernamentales -ausencia de ellas más que nada-, pero con el hambre y la pobreza de las favelas, para Padilha, el gobierno no tiene ninguna conexión.

Entonces nos encontramos con la burda teoría de que el narcotráfico existe simplemente por los consumidores. Bastante pobre.

Sin embargo, y a pesar de que los realizadores dejan muy claro que no se oponen ni a la tortura ni a las muertes violentas, hay una historia detrás de este -entretenido y bien contado- manifiesto fascista. Es la historia del capitán Nascimento, quien está a punto de ser padre por primera vez y está harto de su trabajo. El problema es que debe buscarse un reemplazante. Esa búsqueda es la que cuenta la película, es la que cuenta la voz en off de Nascimento (¿o Padilha?) que nos acompaña todo el tiempo.

El último trabajo de George Romero es muy distinto de cualquiera de sus anteriores. “El diario de los muertos” es una suerte de película dentro de otra, un relato en primera persona, cámara en mano, al estilo “Blairwicth” o “Cloverfield”. Los resultados no son los mismos. En su intento de criticar el rol social de las `nuevas` tecnologías, de la cultura virtual, el director se olvida que su trabajo era contar una historia.

“El diario…” se desarrolla en el marco de una epidemia que revive a los muertos y cuenta la historia de un grupo de estudiantes de cine que se ven sorprendidos por esta plaga mientras filman una película. El trabajo de estos universitarios, entonces, cambia de óptica, y el joven estudiante que lo dirige se dedica, con una determinación que roza lo bizarro, a filmar las eventualidades que surgen mientras emprenden el retorno hacia los hogares de sus respectivos progenitores.

De esta forma, se van planteando una tras otra situaciones inverosímiles, en parte debido a un guión que juega muy cerca del límite de lo estúpido, y en gran parte gracias a paupérrimas actuaciones.

Quizá, y sólo quizá, si esta película hubiese visto la luz 10 o 15 años atrás, habría resultado interesante. Una denuncia de lo que podría suceder en el futuro cercano. Hoy resulta simplemente una simplona descripción de cómo Internet, `youtube` o `myspace` invaden nuestra cotidianeidad alterándola irreversiblemente. Una muestra sin sentido, y sin esa sutileza o doble sentido a la que Romero nos acostumbró, de la enfermiza necesidad de pretender mostrar absolutamente todo, de la lenta desaparición de la intimidad a mano de cámaras digitales y cables USB.

Así, la insoportable voz en off de una de las protagonistas, nos relata los errores que la humanidad ha cometido, y, con una demasiado explícita bajada de línea del director, explica que `una voz es mucho que mejor que mil voces, porque una mentira es mucho mejor que mil mentiras`. Un análisis de milímetros de profundidad, indigno del creador de un subgénero terror como es Romero.

Lo triste es que este gran realizador no agrega nada nuevo, ni por supuesto inteligente, a la discusión en torno al escenario que plantea, y nos pone de manifiesto circunstancias viejas, conocidas y reiterativas, dejando en un pobre segundo plano a los viejos y queridos muertos vivos.

El director brasileño Fernando Meirelles será el encargado de adaptar una de las obras literarias más importantes de los últimos 20 años. Se trata de “Ensayo sobre la ceguera” del premio Nóbel portugués José Saramago.

El relato describe la irrupción de una epidemia de `ceguera blanca` en todo un país y sus consecuencias. El autor luso, nos introduce en un mundo devastado, en el cual el ser humano vuelve a sus orígenes, perdiendo por completo su racionalidad y actuando prácticamente en base a sus instintos.

De esta forma, Saramago implicitamente nos revela cuan cerca estamos de ser una sociedad prácticamente enceguecida, donde ha dejado de importar el prójimo y en la cual sus integrantes actúan -y compite contra los demás- en soledad o en pequeñas manadas.

Que sea justamente Meirelles el encargado de adaptar “Ensayo…” es una excelente noticia dados los excelentes antecedentes del director brasileño. Hacemos referencia por supuesto a la sorprendente “Cidade de Deus (Ciudad de Dios)” y a su primera incursión en Hollywood, “The constant gardener (El jardinero fiel)”.

Fernando León de Aranoa filmó en 2005 “Princesas”, una película sobre la relación de dos prostitutas madrileñas. No era su primera vez relatando una historia relacionada con alguno de los actores sociales que generan incomodidad para ese sector hipócrita, pacato y mayoritario de la sociedad. Sólo tres años antes, en 2002, había filmado otra interesante cinta sobre la reconversión industrial española y los efectos sobre el proletariado -léase altos índices de desocupación-. Se trata de “Los lunes al sol”, protagonizada por Javier Bardem y Luis Tosar, dos grandes actores españoles, a pesar de que el primero comience a causar ese ambiguo sentimiento de que lo bueno pierde automáticamente su principal propiedad -justamente ser bueno-, cuando se convierte en masivo.

Tanto “Princesas” como “Los lunes al sol”, tratan sobre los sectores más vulnerables de una comunidad, en Latinoamérica como en España, como en cualquier parte del mundo. Y a pesar de que las críticas de especialistas españoles no han sido del todo buenas, el último trabajo de León de Aranoa es recomendable.

La cinta no trata solamente sobre prostitución, no es una película sobre prostitutas, sino una sobre amistad, sobre las relaciones familiares, y también sobre la xenofobia. Caye es la puta española interpretada por Candela Peña, a quien se la vio anteriormente en películas como “Todo sobre mi madre” y en “Te doy mis ojos”, un inmenso trabajo que tiene como protagonista -si, otra vez- a Luis Tosar. Su amiga se llama Zulema, también ejerce el oficio más antiguo del mundo, es dominicana, es residente ilegal, y está juntando dinero para poder llevarse a su hijo, quien quedó en su tierra natal, a vivir con ella.

Alrededor de ese eje, que es la relación de estas dos mujeres, giran los demás temas, principalmente el de la discriminación y la crítica a las políticas de inmigración de la península ibérica.

Concluyendo, hay varios puntos para destacar del trabajo, comenzando por las actuaciones, la banda de sonido (un impecable Manu Chao), y una escena en particular que es prácticamente inolvidable, y no por la polémica toma de la fellatio.

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Hace casi 60 años Kurasawa deslumbraba al mundo, oriental y occidental por igual, con “Rashomon”, su obra maestra. La película narra un delito desde el punto de vista de todos los personajes que intervinieron en él. Pero el realizador no se limita, en los flashbacks correspondientes, a seguir con la cámara a los personajes. De alguna manera consigue nadar con fluidez en el mar psicológico de cada uno de los protagonistas, y, por supuesto, transmitir esto al espectador; que justamente deja de ser sencillamente eso, para mezclarse con los intérpretes y sus emociones. Por todo esto es llamativo que se mencione la película del director japonés cuando se hace referencia a “Vantage Point”.

Una cuestión que no puede obviarse antes de sentarse a ver la cinta de Pete Travis es que se relata un atentado perpetrado contra el presidente de los Estados Unidos durante una cumbre en España, y que transcurridos cinco minutos, uno ya sabe quien es el responsable del ataque, o al menos uno de ellos. Esto no significa que esa haya sido la intención del realizador, sino que el guión es tan pobre que logra inmediatamente aquello que debería impedir.

Pero volviendo al tema principal de esta película, que si bien no puede ser catalogada como otro largometraje de acción y del servicio secreto yanqui, debido justamente a como está contada, tampoco logra entrar con firmeza y autoridad en la categoría de las películas “Rashomon”. Y no lo hace porque carece de todas las cualidades que posee el film japonés.

Cuando se habla de puntos de vista uno no espera saber como vio los acontecimientos el personaje, sino como los vivió, que fue lo que sintió. Que proceso interno despertó ese acontecimiento en su interior y como su subjetividad va a transmitirla al exterior.

Esto no está logrado. Lo que vemos es un director-cámara omnipresente que se sitúa en el lugar de los personajes, y no el yo-personaje. En otras palabras, lo que se ve en “Vantage Point” son ocho objetividades y ninguna subjetividad.

Pero ese no es el único problema que presenta el trabajo de Travis. Hay serias incongruencias en relación al tópico central que trata. En otras palabras, nadie puede creerse que atentar contra el presidente de Estados Unidos sea tan fácil. Sino, con seguridad, ya hubiese ocurrido en reiteradas oportunidades. Es cierto, es cine, pero al menos debe tener ciertos parámetros compartidos con la realidad.

Por último, pero no por eso menos importante, llama la atención el acento mejicano de los extras cuando la acción transcurre integramente en Salamanca, España. Quizá haya sido para la mayoría de los espectadores un detalle de escasa relevancia, pero se trata de un error bastante grave. Con respecto a este tema caben dos posibilidades; o bien ha sido un descuido, o, consciente de que la película está destinada a una audiencia anglosajona, Travis no le dio demasiada importancia. Es que, los diálogos de los personajes -sumamente secundarios- de habla española son pocos, pero no tan pocos como para que este detalle pase desapercibido por nosotros, hispanos hablantes.

Sin embargo, el trabajo cumple con su función; léase: entretener durante 80 minutos para olvidar todo cinco después de salir del cine.

Hace poco más de tres lustros Steven Gould publica “Jumper”, una de sus novelas más exitosas. El autor, quien ya había editado relatos de ciencia ficción, logró que el libro fuese un éxito de ventas. Hace relativamente poco tiempo la obra se tradujo al español y obtuvo similares resultados. Las razones quizá haya que buscarlas en el tópico que eligió Gould para el relato: la teletransportación. Es que… ¿quién no ha soñado alguna vez de niño con tener esta habilidad? Es, por cierto, un tema recurrente tanto en la literatura como en el cine.

Esta semana se estrenó en Argentina, tras una importante campaña publicitaria, su adaptación cinematográfica. El responsable de pasar la historia de la tinta a la cinta fue Doug Liman. Aquel que no lo conozca sepa que fue el director, entre otras, de dos obras cuyos resultados fueron bastante dispares. Se trata de “The Bourne Identity” y “Mr. and Mrs. Smith”.

“Jumper” relata la vida de un joven, David Rice, que tiene la habilidad de desaparecer de un lugar y aparecer en otro en menos de un segundo: teletransportarse. Pero el espectador no la va a pasar tan bien como David, la historia cuenta con varios inconvenientes.

En primer lugar el protagonista central es Hayden Christensen: no mucho más para agregar. Segundo, hay cuestiones que el guión no explica y otras que repite como si los espectadores tuviesen un serio problema de entendimiento. El problema es que aquellas cosas que quedan sin explicación son prácticamente centrales. Por ejemplo: ¿porque hay un grupo de personas, conocidas como los `paladines`, que quieren matar a todos los `jumpers`?

Esto es nada más que el comienzo. La película esta editada en formato video para MTV; el director parece más preocupado por mostrar los paisajes por los cuales `salta` alegremente su personaje que por la historia; Samuel L. Jackson repite un papel idéntico a infinidad de otros que él mismo ha encarnado; y esto sólo para empezar.

Tampoco existe empatía alguna del espectador con el personaje, un proceso tan común del séptimo arte. Rice es realmente un tipo insoportable: utiliza su habilidad para robar bancos, para luego pasar una noche en un bar londinense y acostarse con una inglesa, para amanecer al lado de la rubia y teletransportarse a Fiji a surfear!!!!!!!… y finalmente almorzar sobre la cabeza de la Esfinge de Giza.

Lo único positivo es la aparición de Jamie Bell, un joven actor que parecía tener un especial talento para seleccionar las películas en las cuales participaba. Aparentemente no es así.

Se anunció una secuela para 2011. Sin palabras…